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　クラブ・ジャズ入門。ネット上にクラブジャズを解説したまともな日本語コンテンツが存在しないようなので、今回は「クラブジャズとは何か」を明快に・簡単に・誰でも把握できるよう説明してみます。Youtubeの動画を付けて、なじみのない人にも興味を持ってもらえるよう、極力工夫します。おしゃれチックな居酒屋で流れているジャズが居心地良くて好きで「なんとなくジャズに興味があるけど初心者には取っ掛かりがなく小難しそうでよくわからないからそのままだ」というあなたに。マイルス・デイビスやジョン・コルトレーンに象徴されるモダンジャズの愛好家で、「クラブ・ジャズは所詮流行りモノであって真のジャズの名に値しない」と軽く考えているあなたに。「菊地成孔を通して難解さがエロスを醸し出すジャズの世界に興味を持ったけれど、それ以上ジャズの世界が広がらない」というあなたにも。なお、このエントリーは、最高峰のジャズDJでありクリエーターでもある沖野修也さんの著書『クラブ・ジャズ入門』に多くを負っていることをあらかじめ書き添えておきます。これはジャズ好きならば一度は目を通すべき、素晴らしき一冊。

■クラブ・ジャズの意義とは

　たしかにジャズは小難しそうだ。大抵の人は「なんか面倒くさそうだからパス」となってしまう。ジャズに関して迂闊なことをいえば【名盤やジャズの歴史についてのウンチクをよだれのように垂れ流す人】が激怒しながらすっ飛んでくる様がすぐに想像できる。だからみんなジャズを敬遠してしまう。だがこれはおかしな話だ。たとえばロックでは、ラジオから流れてきたある曲を気に入って、そのアーティストのファンになり、そのアーティストが影響を受けた過去のロックミュージックの歴史をたどり、最終的にいわゆる「歴史的名盤」と呼ばれるものを聴きはじめるという流れになるはずだ。ところがジャズの場合、多くの人は「過去の歴史的名盤を知らなければジャズを聴けない！」「ジャズに関する正しい歴史的知識がなければジャズを聴いてはいけない！」と思い込んでしまっている。つまり一般に人々が想像する「ジャズ」は、現在進行形の／「今の」ジャズではなく、もはや死んでしまった／過去の亡霊としてのジャズなのだ。

※2012年4月5日にリンク切れ動画をすべて更新しました！

　「過去の亡霊としてのジャズ」は多くの人にとって難解な存在だ。もちろん、その小難しそうなところが―――抽象絵画や難解な現代アートに似た―――ある種のエロ格好良さを醸し出し、この難解＝エロスな雰囲気に惹かれる人がいることは理解できる。たとえば菊地成孔を崇拝し、『東京大学のアルバート・アイラー』を読んでジャズの「正しい」理解を目指し、教養ある聴き手になろうとする……ジャズは歴史＝教養を体現する芸術であるべきだという信念を持ち続ける……同時代を生きるジャズ・ミュージシャンの中に過去のモダンジャズ（ジャズ黄金期）の面影を見出して一喜一憂する……もちろんそれもジャズのひとつの楽しみ方だ。だが待って欲しい！ジャズにはもうひとつの楽しみ方が残されている。忘れるなかれ、ジャズは今を生きる音楽でもある。ひとたび耳にしただけで心に幸せが満ちあふれ思わず踊り出してしまうような―――ロック・ミュージックと同じ―――現代のヒップでポップな音楽でもあるはずなのだ。小難しい理論や知識とは無関係に、ただ耳にするだけで心に悦びを充満させてくれる、ロック・ミュージックと同じようにイマドキの感性やエネルギーを爆発させる存在としてのジャズは死んでしまったのか？――――ジャズはまだ死んでいない。イマドキの最先端で、あらゆる他ジャンルの要素をどん欲に取り込み、ジャズとは呼びがたいほどに自らの形態を変化させ続け、なによりもひとたび耳にするだけでステップを踏み出さざるをえないシアワセと快感を人々に与えているジャズも存在する。ジャズがまだ死んでいない現場……それこそがクラブ・ジャズと呼ばれるジャンルなのだ（だって菊地成孔が演奏するジャズが「最先端」だとしたらあまりに寂しいでしょ？）

■クラブ・ジャズ前史をごくシンプルに振り返ってみよう

　クラブ・ジャズとはなによりもまず「踊り」のためのジャズだ。では、ジャズと「踊り」の関係は歴史的にどうなっていたのだろう？クラブ・ジャズを理解する上で重要な点に絞ってジャズの歴史をごくシンプルに振り返ってみよう。1900年代初頭、ニューオリンズを中心とした地域で起こった西洋音楽とアフリカのリズム感覚の融合がジャズの起源だといわれている。ごくシンプルにいえば、アフリカから運ばれてきた奴隷たちが西洋の楽器を使って集団で演奏を始めたことがジャズのはじまりとなった。時は移り、1920年代。その頃ジャズはスウィングと呼ばれ、芸術性とは無縁の商業的な音楽だった。飲食店などがジャズ・ミュージシャンを雇って人々を踊らせていた。ミュージシャンたちは収入を得るため、表現としてではなく聴衆のための演奏を行っていた。この頃の人々はジャズで陽気に踊っていたのだ。

Louis Armstrong-Paris Blues（大衆芸能としてのジャズ）

　しかし、第2次世界大戦後、ビバップ（と呼ばれる潮流）の登場により、それまでのポップで親しみやすい大衆芸能としてのジャズが、高速で変化するコードとアドリブ（即興演奏）によって抽象性を増し、芸術性の高い音楽へと変質していった。このビバップにはじまり、クールジャズ、ウェスト・コースト、アフロ・キューバン、ハード・バップ、ファンキー、モード、フリージャズ…とモダン・ジャズの歴史は続いていく（もう少し詳しく知りたい人はミニマムに小川さんのサイトに書かれている簡潔なジャズ史を押さえれば十分だろう）。おおまかにいえば、かつての大衆芸能が芸術に昇華された→「踊り」ではなく「鑑賞する」という楽しみ方がメインになった→聴く者を選び特権的なリスナーを生み出した（聴衆に対してジャズが排他性を持つようになった）→ジャズは難解であるというイメージを持つ人が増えていった→ゆえにジャズは敷居が高い存在になり、メインストリームをロック・ミュージックが占めるようになった→ジャズが一般的な人気を失っていく流れの中で、抽象的な芸術としてのジャズの方向性を推し進めフリー・ジャズをやりはじめるミュージシャンもいれば、他方でロックやヒップホップの要素を取り入れジャズの親しみやすさを復活させようと試みるいわゆる「フュージョン」的な試みも増えていった、という流れだ。

Charlie Parker & Dizzy Gillespie（ビバップ。親しみにくい「モダン・ジャズ」のはじまり）

John Coltrane Quartet – My Favorite Things　（芸術ではあるが、踊りとは無縁の存在になったモダン・ジャズ）

Miles Davis – Doo Bop Song（マイルス・デイビスは最晩年、ジャズの復活を賭けてヒップホップの要素を取り入れた）

■「踊れるジャズ」という価値基準

　このようにモダン・ジャズが芸術（ハイソ）志向を強めるにつれ、当然のことながら、ジャズのリスナーも芸術志向を強めるようになった。ジャズは黙って正座して聴く音楽なんだ…ジャズを楽しむためには「正しい」知識を身につける必要があるんだ…と。このようなアーティストとリスナーの共犯関係の中で、「ジャズかくあるべし！」という強烈な規範＝「正統的なジャズとはなにか」を定める権威的なピラミッドが出来上がってくる。いいかえれば、ジャズ批評が確立されてくる。評価されたアーティストは名声を欲しいままにするし、ダメ出しを食らったアーティストは二束三文でレコードを叩き売られる（誰も見向きしなくなる）。もちろん、評価されたジャズの筆頭は、Miles DavisやJohn Coltraneといった面々だ。他方、評価されなかったジャズの筆頭は、踊れる親しみやすいフュージョン・ジャズやファンクジャズだった（たとえばケータイ小説に対してみんなが抱いている拒否感を想像してもらえばわかりやすいと思う）。モダン・ジャズを通過した人々は、「ジャズで踊ろう！」などとは決して考えなくなっていたのだ。「踊れるジャズ」など穢らわしい…大衆の俗情に媚びた存在にすぎない…と思われていたのだ。

　ところが1980年代初頭、（ジャズ発祥の地アメリカではなく、モッズ・ムーブメントがその礎を作った）イギリスのクラブ・シーンで、「レア・グルーブ・ムーブメント」という現象が起きる。「レア・グルーブ」という言葉は直訳すれば「珍しいレコード」ということになるだろう。中古屋で二束三文で売られていた（＝正統的なジャズファンからは見向きもされなかった）ソウルやファンク、ジャズ・ファンクやフュージョンに新しい価値を見出し、ダンス・ミュージックとして再生する運動が起きたのだ。ジャズを評価する際に「踊れるかどうか」を唯一の価値基準とするDJは、あるアーティストの曲が売れたかどうか／正統的なジャズ批評の世界で評価されたかどうかには無関心だ。「踊れるかどうか」―――その基準を満たさなければ、いくら高い評価を得たアーティストの曲でも、ダンス・フロアでは機能しない失敗作でしかない。つまりこういうことだ。「踊れるかどうか」という価値基準を持ち込むことによって、DJたちは従来の「ジャズかくあるべし規範」を打ち破り、世の中の先入観や偏見を解体し、二束三文で叩き売られていたアーティストや曲を再生させるという価値観の逆転を実現させた。B級扱いされていたアーティストたちの曲の良さをあらためて発見したということだ。このムーブメントが旋風を引き起こした後、クラブ・ジャズは従来の「ジャズかくあるべし規範」に縛られない過激な―――そしてなによりも「今」の最先端を体現する生きた音楽として―――ジャズの新しいカタチを模索していくことになる。

“In The Rain” – The Wooden Glass feat. Billy Wooten（Billy Woootenはジャズファンクの人。このような超名演が「レアグルーブ」としてざくざく発掘されていった。1972年の録音）

＃泣く子も黙るジャズファンク（Jazz Funk）の超絶名盤。何度聴いたかわからない。発掘されて本当に良かった！

Rare Grooveとは典型的にこういう曲を指す。発売当時には見向きもされなかったジャズファンクを、後の世代のDJが「踊れるジャズ＝使えるジャズ」・「Rare Groove＝珍しいレコード」として再発見した

Weldon Irvine – Turkish Bath（他の追随を許さない抜群の格好良さ、Weldon Arvine。大好き）

＃フェンダーローズが唸る一枚

＃JazzmanのRareGrooveはすごく良い

■クラブジャズの定義

　レア・グルーブ・ムーブメント以前にDJがジャズをかける場合には、（正統的な）モダン・ジャズの中から実は踊れる曲を発見することに価値が置かれていた。ところがレア・グルーブ・ムーブメント以後のジャズDJは、「（従来のジャズ批評で言われていたジャズの定義をすべて疑ってフラットに考えたときに）ジャズという要素はいったい何なのか」を問うことを通じて、ジャズ解釈の拡張をはかっていくことになる。たとえ他のジャンルの曲であっても、そこにジャズの要素を嗅ぎ取ることができればそれはクラブ・ジャズの曲になるのだ。

　クラブ・ジャズとは何か。沖野修也さんの定義にしたがっていえば、

1．レア・グルーブ・ムーブメント以前に発表されていたジャズの中から踊れるジャズを発見すること（踊れるジャズの旧譜）
2．レア・グルーブ・ムーブメント以前に発表されていた、ジャズの影響を受けた（他ジャンルの）ダンス・ミュージック（クロスオーバーの旧譜）
3．レア・グルーブ・ムーブメント以後に発表された（クラブ・ジャズあらかじめを意識した）踊れるジャズ（踊れるジャズの新譜）
4．レア・グルーブ・ムーブメント以後に発表された、ジャズの影響を受けた（他ジャンルの）ダンス・ミュージック（クロスオーバーの新譜）

沖野修也『クラブジャズ入門』(pp.250-251)

　これらすべてが「クラブ・ジャズ」を構成する要素になる。今回の記事は、3と4、つまりレア・グルーブ・ムーブメント以後の動きを中心に扱う。

　「レア・グルーブ・ムーブメント」の中心人物は3人いた。ポール・マーフィー、ジャイルス・ピーターソン、そしてパトリック・フォージ。ジャズで踊れるんだ！ということをポール・マーフィーが世間に広め、ジャイルス・ピーターソンはジャズ・ファンクをリバイバルさせた。そしてジャイルスとパトリック・フォージがカムデンのディングウォールズで始めたパーティ「Talkin’ Loud Saying Something」は、アシッド・ジャズ（Acid Jazz）という新たなジャズの発信源となっていった。

今でもクラブジャズ界の最重要DJであり続けるGilles Petersonはこんな人なんですよ。物腰がすごく柔らかい。優しそうな人ほど怖ろしい。

■そもそも「ジャズ」ってなに？

　マイルス・デイビスというモダン・ジャズを代表する偉大なミュージシャンは、つねにジャズという音楽ジャンルを変革し続けた。ロックの要素を取り込み、ヒップホップの要素すら取り込み…といった具合に（先ほどの動画参照）。つねに新しい世界を切り拓いたことがマイルス・デイビスの最大の魅力であり――そして彼のもっとも「ジャズらしい」部分であった。そう、ジャズとは何よりも反復／再現を嫌う音楽だ。不可逆性、つまり同じ内容を繰り返さないことがジャズの最大の特徴だ。楽譜を譜面通りに再現するクラシックとは大きく異なり、ジャズは即興演奏のスタイルを取り、演奏の大部分はアドリブで構成される。たとえば下の動画はモダン・ジャズの大家であるビル・エバンスが「いつの日にか王子様が（Someday My Prince will Come）」というディズニーの名曲を演奏したものだけれども、原曲が自由自在にアドリブで解体されていることがわかると思う。

　クラシックは作曲家のための音楽であるのに対し、ジャズは演奏家のための音楽であるといってよいだろう。ジャズでは（反復可能な）曲自体の重要性はそれほど高くない。むしろ（1回きりの）演奏が意味をもつ。同じ内容を繰り返しているだけならば…現状を破壊し新しいカタチを創造しようという気概が見られないならば…それはもはやジャズと呼べないのだ。そしてその繰り返しを嫌う態度は、ジャンルそれ自体にも当てはまる。たとえ2008年の新譜であろうとも、過去の偉大なモダンジャズに憧れ、モダンジャズの要素を正統的に受け継ぐだけの冒険なきジャズはジャズらしくないと自分は感じる。演奏家が原曲の雰囲気を残しつつ自在な演奏によって独自な世界観や解釈を表現するように、ジャズというジャンルそれ自体も、モダン・ジャズの雰囲気を残しつつ自在な他ジャンルとのコラボレーションによって独自な世界観を模索するべきだ（それこそがジャズらしい）。その意味で、レア・グルーブ・ムーブメントに端を発し、従来の正統的なジャズ観に囚われないジャズ解釈を披露してきたクラブ・ジャズの流れは、真に「ジャズ」と呼ぶに足るのではないだろうか。もちろん、マイルスがヒップホップを取り入れたことをいま熱く語るのも良いだろう。しかし、まさに今現在、クラブ・ジャズの世界では、時代の感性と真正面から向き合った新しいジャズ解釈が披露されつつあるのだ。

Bill Evans Trio – Someday My Prince will Come（反復不可能性がジャズの特質）

＃Bill Evansのもっとも美しいアルバムといえばこれ

■世界的なブームを巻き起こしたアシッド・ジャズ

　話を戻そう。さきほど書いたように、ジャイルス・ピーターソンとパトリック・フォージのパーティー「Talkin’ Loud Saying Something」はアシッド・ジャズの発信源となっていく。アシッド・ジャズとは、一般的にはファンキーな古いジャズと、ソウル・ジャズやジャズ・ファンクをバンドで、あるいは打ち込みでリメイクしたダンス・ミュージックの総称。メロディアスでクール、しかもダンサブル。ジャイルスはアシッド・ジャズ・レーベルなるものを設立したのだけれども、あのジャミロクワイも、デビューはこのアシッド・ジャズ・レーベルからだったそうだ。DJたちによるジャズ解釈の拡張は、一部のジャズ・ミュージシャンたちを巻き込んで、世界的に大きなうねりとなっていった。

JAMES TAYLOR QUARTET- Theme from Dirty Harry & Austin’s Theme（初期のアシッド・ジャズ）

United Future Organization – United Future Airlines（国産アシッド・ジャズを代表するUnited Future Organization）

mondo grosso – I can’t go for that（同じく国産アシッド・ジャズといえばモンド・グロッソ）

＃まだ色褪せていない名盤

Monday Michiru (満ちる) – You Make Me (秋吉敏子の娘・Monday満ちるは、Acid Jazz界の最重要Divaの一人）

＃最高のベスト盤。さすがにFree Soulといったところ

Jamiroquai – Runaway（ジャミロクワイやインコグニートらの大成功でアシッド・ジャズは世界的な認知を獲得した）

■アシッド・ジャズの衰退、フューチャー・ジャズの誕生

　爆発的に流行したアシッド・ジャズは、メインストリームに躍り出たので、ジャズらしさ（同じことの繰り返しを嫌い新たな世界観を切り拓くエネルギー）を失ってしまった。次なるクラブ・ジャズの波はドイツからやってきた。アシッド・ジャズのアーティストを積極的に起用していたミュンヘンのDJマイケル・レインボースが、コンポスト・レーベル（Compost Label)を設立。彼が手がけたコンピレーション『Future Sound of Jazz』が大きな話題となる。『Future Sound of Jazz』はテクノやトリップ・ホップといったエレクトリックな音楽の中からジャズに通ずる感覚を紡ぎ出して見せた。

GENTAL PEOPLE, ” Journey ” ( THE FUTURE SOUND OF JAZZ 2 )

　イギリス発のアシッド・ジャズは（ジャズ・ファンクの発掘からスタートしたレア・グルーブ・ムーブメントの影響を受けた）ソウルフルなものだったが、このドイツにおけるフューチャー・ジャズと呼ばれる硬質なジャズの誕生によって、ジャズとテクノの親和性が一気に高まることになる。レコード・コレクター兼DJとしてRainer Truby（ライナー・トゥルービー）とJazzanova（ジャザノヴァ）の2人が頭角をあらわしはじめた。JazzanovaはCompost Labelと提携し、JCR（ジャザノヴァ・コンポスト・レコード）を設立。ドイツ発の彼ら2人は、いまだにDJとしてもクラブ・ジャズ・アーティストとしても超一流である点に驚かされる。（この2人の名前は絶対にチェック）

Jazzanova – Fedime’s Flight (Kyoto Jazz Massive Remix)　（テクノと民族音楽とジャズの出会い）

＃Jazzanovaの最新盤

　フューチャー・ジャズの誕生は、それまでのジャズDJがほかの音楽ジャンルにジャズの影響を見出していたことと逆の現象を引き起こすことになる。つまり、ハウスやテクノのDJがフューチャー・ジャズの中にハウスやテクノの要素を発見しはじめたのだ。こうして、ハウス・テクノ・クラブジャズのボーダーレス化が一気に加速することになった。

■フューチャー・ジャズという言葉に収まりきらない細分化

　ボーダーレス化が進むにつれ、「フューチャー」という形容詞では音楽の現状を正確にあらわすことができなくなり、フューチャー・ジャズという呼称はしだいに使われなくなっていった。フューチャー・ジャズの代表的レーベルであったCompost Labelが2003年にJazzanovaとの契約を解消。クープ（Koop）というヨーロピアン・ニュージャズの先駆けといえるアーティストをデビューさせ、JCRも活動を停止してしまう。ジャザノヴァはSonar Kollektiv（ソナー・コレクティヴ）というレーベルへの回帰を決定。Sonar Kollektivはフォークからテクノまで守備範囲を広げ、コンポストはロックやエレクトロニカまでをカバーするようになる。その結果、ドイツの音楽シーンは、ジャズというワンワードでは括ることが出来ない状況へと変化した。

Sonar Kollektivはこのようなゴリゴリのテクノにはじまり、

オーガニックなハウスはもちろん、

ヨーロピアン・ニュージャズまでを幅広く扱うレーベルとなっている。

＃Sonar Kollektivの最新盤

Christian Prommers Drumlesson – Rej by ÂME（中の人はRainer Trubyですよ。レーベルはSonar Kollektiv）

＃Christian Prommer’s Drumlessonはかなりオススメ。今年は相当リピートして聴いた

■フューチャー・ジャズ期のイギリスでは…

　他方、フューチャー・ジャズ期のイギリスでは、ジャイルス・ピーターソンとともにレア・グルーブ・ムーブメントを担ったパトリック・フォージが、ブラジリアン・ムーブメントの中心となるダ・ラータ（Da Lata）を結成。クラブ・ジャズ・シーンにブラジル音楽の要素が一気に普及することになる。

Da Lata – Cores (2000)

　他方、ジャイルス・ピーターソンは、アシッド・ジャズの衰退という現実を踏まえ、ハウスのフォーマットにブレイク・ビーツやラテン・パーカッションを導入し新時代を切り開いた（つまりハウスの側からクラブ・ジャズに接近していった）マスターズ・アットワークの別名義プロジェクトであるNuyorican Soulをイギリスでフィーチャーしたり、ロニ・サイズ（Roni Size）や4ヒーロー（4hero）というドラムンベース系アーティストとの契約で活路を見出すことになる。

Nu Yorican Soul – Nervous Track

＃House/Jazz史に残る大傑作

Roni Size/Reprazent – Brown Paper Bag

＃Drum&Bassの大傑作

4hero – Les Fleur

■ヨーロピアン・ニュー・ジャズの隆盛

　フューチャー・ジャズの代表的レーベル、Compostからリリースされたクープ（Koop）の『Waltz For Koop』の大ヒットにより、ここ数年は生音重視で50年代～60年代にかけてのジャズの影響をアーティストたちの活動に注目が集まっている。つまり、生音回帰現象が明確にあらわれている。長い間DJとしてその名を知られていたイタリアのニコラ・コンテ（Nicola Conte）は、ついにジャズの名門レーベル、ブルー・ノート（Blue Note）からのリリースも果たすことになる。フィンランド出身のザ・ファイブ・コーナーズ・クインテット（The Five Corner’s Quintet）も忘れてはならないだろう。ちなみに沖野さんの本には、「彼らは、まさに新世代のヨーロピアン・ジャズを体現するグループであり…古き良き時代のジャズへの憧憬を実直なまでにそのスタイルに反映させながら、ヨーロピアン・ジャズ特有の透明感や叙情性を表現。加えて、音圧やパターン、音量にこだわるドラム・サウンドで、クラブ世代特有の感覚を具現化した」と書かれている(p.104)。

KOOP – Waltz for Koop　（ヨーロピアン・ニュージャズの先駆け、Waltz for Koop。ヨーロピアン・ニュージャズについては後述予定）

＃記念碑的作品

Nicola Conte – Bossa Per Due

The Five Corners Quintet – Shake It

＃一度は聴いておくべきだと思う

　このように、ヨーロピアン・ニュージャズの成功によって、（正統的な）モダン・ジャズがクラブ・シーンでリバイバルされつつあるといえる。クラブ・ジャズはふたたびモダン・ジャズに出会いつつあるのだ！

■国産生音クラブジャズバンドは世界トップクラスの評価を受けている

　かつてMond Grossoに加わっていた吉澤はじめも所属するSleep Walkerは、日本最高峰のクラブ・ジャズ・バンドといえるだろう。あのファラオ・サンダースとの共演も果たしたほどの実力の持ち主で、70年代のスピリチャル・ジャズに「踊れる」要素をあまりに鮮やかに組み込んでいる。彼らの生演奏をぜひクラブで聴いてみてください。本当に打ち拉がれますよ（自分は泣いてしまった）。ジャズライブハウスで大御所が演奏するモダンジャズのライブアクトを聴くことでは絶対に得られない、「今」と目一杯戦っているジャズのジャズらしさ、ジャズの神髄を、そこでは味わうことができる（緊張感が漲ったジャズを味わいたいならば、青山ブルーノートにて大御所の演奏を聴くなんてのは愚の骨頂。張り裂けそうなジャズは、実はクラブに転がっている）。ちなみに、ファラオ・サンダースはモダンジャズの大家ジョン・コルトレーンの弟子で、踊れる要素とジャズの難解かつ精神的な要素を見事に昇華させた奇跡のような人。ファラオは、クラブ世代とモダンジャズ世代をつなぐキーパーソンなのかもしれない。自分はファラオのような（Sleep Walkerのルーツでもある）70年代のスピリチュアル・ジャズがジャズの中でもっとも好きですね（Spiritual Jazzはたとえばこんな音です→Spiritual Jazzの自作mix1、自作のmix2）。自分のように、コテコテのモダンジャズも好きな人は、きっとファラオを気に入ると思う。

Pharoah Sanders / You’ve Got To Have Freedom（ファラオの名曲）

BUILD AN ARK / YOUVE GOTTA HAVE FREEDOM（現代のクラブ・ジャズ・アーティストが上のファラオの名曲を解釈するとこうなる）

＃モダンジャズとしてもクラブジャズとしても大名盤なファラオの1枚。

＃ファラオの現代流解釈。

sleep walker / kyoto jazz massive (Sleep Walkerはクラブジャズ生音バンドで一番好き）

＃超絶にオススメなアルバム。本当に。

　そして、ハード・バップとパンクを組み合わせて昇華させる圧倒的な迫力を持ったクラブ・ジャズ・バンド、SOIL&”PIMP”SESSIONSももちろん忘れてはならないだろう。もう彼らはヤクザそのものですね。素晴らしい。

Soil & “Pimp” Sessions – A.I.E. (live at Later…)

＃これも素晴らしい。でもできれば「生」でも聴いて欲しい！

The Man from Nagpur / quasimode（ヨーロピアン・ニュージャズ的な雰囲気を持ち合わせるQuasimodeも世界的に高く評価されている）

Jazztronik – Voyage（野崎良太のプロジェクトJazztronik（ジャズトロニック）は、J-POP的な要素をもうまく取り込むことに成功している）

INO hidefumi / Spartacus（フェンダーローズというオルガンピアノを愛用するINO hidefumiのように、特定の楽器をフィーチャーして藤原ヒロシ的な心地良いラウンジ系の音楽に特化するクラブジャズの流れもある）

#

■テクノとクラブ・ジャズの関係

　さて、このように【生音志向】が現在のクラブ・ジャズ・シーンの大きな特徴ではあるけれども、対極にあるテクノ・ミュージック志向の【エレクトリック化】という現象も同時に起きていることも付け加えておきたい。つまり、クラブ・ジャズは両極化しているという見方が正しい。このエレクトリック化の流れは、アームやヘンリック・シュワルツといったドイツ勢のミニマリズムがクラブ・ジャズに新たな価値観を持ち込むことによって引き起こされている。（ちなみに沖野本によれば「その二極化を1つのレーベルで実現させているスウェーデンのロウ・フュージョンというレーベルは、非常に勢いのある存在」だとか）

AME – REJ

Henrik Schwarz – jon (i’m fading away mix)

live in Miami WMC 07 at Raw Fusion Party

■おわりに

　最後に。何よりもまず沖野修也さんへのリスペクトを全力で記しておきたい。『DJ選曲術』と同じく、この『クラブ・ジャズ入門』という本は感嘆の連続だった。その興奮がこの記事を書く最大の動機となった。みんながなんとなく使っていた「クラブ・ジャズ」という言葉―――クラブでかかるジャズだからクラブ・ジャズなんじゃん？―――その程度のことしか考えていなかった概念に、明快なフレームワークを言語化して授けてくださった批評眼は素晴らしいと思う。アーティストが作家ならば、DJはなによりもまず批評家にちがいない。この記事は同書がもつ情報量の1／10も伝えられていない。ジャジーなヒップホップが大流行している昨今だけれども、そもそもこの記事ではジャズとヒップホップの関係に一切触れていない。モダン・ジャズの中にあるクラブ・ジャズ的な要素とはなにか？クラブ・ジャズのこれからの可能性は？答えは、沖野さんの本の中にある。

　「踊れるかどうか」―――それがクラブ・ジャズを駆動させる唯一の判断基準だと書いた。モダン・ジャズ愛好家はモダンジャズを愛し、クラブ・ジャズ愛好家はクラブでジャズを愛する。たとえ対話できないとしても、多様なジャズの楽しみ方があっていい。自分はそう思っていた。……だが本当にそうだろうか？と沖野さんは問いかける。従来のジャズリスナーとクラブジャズのオーディエンスを橋渡しすればジャズの可能性がさらに拡がるのではないか、と。このお節介ともいえる問題意識が本書を貫く大黒柱になっている。そこに、自分は決してかなわない、沖野さんのジャズへの深い「愛」を見た。恥じらいもなく最後にこう書いてのけるところが彼の格好良さだ。沖野さん、最後はあなたの曲で、Thank You!

　僕は、ジャズのリスナーがダンス・フロアに足を運ぶことを、そして、クラブ・ジャズのリスナーが踊れないジャズに夢中になることを待ち望んでいます。僕は、ジャズを愛しています。(p.199)

Shuya Okino- Thank you (Danny Krivit Edit)

さきほどの動画と同じ曲のライブ映像。ちょうどこの日、この演奏を、この場所で聴いていたなぁ、色々と悩んでいたなぁ。遠い目。
沖野修也 ／ THANK YOU feat.Navasha Daya
UNITED LEGENDS SPECIAL LIVE SET
(Live from TOKYO CROSSOVER/JAZZ FESTIVAL 2007 at ageHa)

must read

＃現在のJazz/Houseの魅力がぎっしり詰まったGilles Petersonのハウスアルバム。ジャイルスはJ-WAVEで番組を持っていたりもうすっかりおなじみですよね。凄まじいセンス。もちろんShuya Okinoの”Thank You”も入ってます。

＃このディスクガイドは素晴らしい！クラブジャズ世代の感覚をベースにもちつつも、クラブジャズのみならずモダンジャズの名盤も幅広くセンス良く扱っている。ジャズの名盤ガイドでオススメある？と訊かれれば、まず間違いなくこのディスクガイドを推薦する。過去だけではなく過去と現在両方に顔を向けた理想的なジャズ指南書。小川充さん、お見事！

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